La obra descubierta (Courtesy: Goodwill of Greater Washington)En Goodwill –una organización sin ánimo de lucro que ayuda a los más desfavorecidos facilitándoles educación y formación laboral– están acostumbrados a recibir en sus locales todo tipo de donaciones, normalmente ropa y utensilios caseros que más tarde venden en sus tiendas para recaudar fondos.

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Sin embargo, en pocas ocasiones tienen la suerte de encontrar entre los objetos donados piezas tan valiosas como la pintura que encontró María Rivera, una de las empleadas del local de Goodwill en Manassas (estado de Virginia).

En cuanto vio la pequeña obra, adornada por un vistoso y antiguo marco, María supo que aquella no era una donación más, así que la apartó mientras seguía ordenando las donaciones recibidas aquel día, hace ahora dos meses.

Cuando días más tarde los responsables de Goowill buscaron información sobre la pieza con un experto, descubrieron con asombro que la intuición de María era más que

Hornos crematorios del campo de concentración de Majdanek, en Polonia. (Tim Graham/Getty Images)Si hace un par de días comentábamos la enorme polémica que había generado en Polonia la exhibición de una escultura de Hitler en un callejón del antiguo ‘ghetto’ de Varsovia, hoy le toca el turno a una pintura, obra de un artista sueco, que también ha provocado un gran revuelo por su vinculación con las víctimas del Holocausto.

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El escándalo salió a luz recientemente, cuando Carl Michael Hausswolf, un compositor y artista visual sueco, aseguró que una de sus pinturas, expuesta en una galería de Lund, en su país natal, había sido realizada empleando cenizas de judíos ejecutados en el campo de concentración de Majdanek (Este de Polonia).

Según el artista, él mismo había robado las cenizas durante una visita realizada al campo de concentración en el año 1989. Tras las polémicas declaraciones, los responsables de la galería Marin Bryder, en la que se exponía la obra, decidieron retirar la pintura de la muestra.

La polémica obra cuando aún estaba expuesta.

Han pasado casi 68 años desde el final de la Segunda Guerra Mundial, pero las heridas causadas por la barbarie nazi siguen bien abiertas entre algunos de los colectivos más afectados, como el de los judíos.

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Una buena muestra de ello la encontramos en Polonia, donde en las últimas semanas se ha desatado una encendida polémica a raíz de la colocación, en uno de los callejones del antiguo ‘ghetto’ judío de Varsovia, de una escultura de cera realizada por el artista italiano Maurizio Cattelan.

La estatua de Hitler del artista Maurizio Cattelan colocada en el 'ghetto' de Varsovia. (Foto AP/Czarek Sokolowski)

La estatua de Hitler del artista Maurizio Cattelan colocada en el 'ghetto' de Varsovia. (Foto AP/Czarek Sokolowski)

La obra en cuestión –titulada ‘HIM’– representa al mismísimo Hitler, retratado con cuerpo de niño y vestido con un traje gris, que aparece arrodillado como si rezara. La llamativa escultura fue colocada el pasado mes de noviembre en un patio del ‘ghetto’, y tan solo es visible de espaldas y a través de un pequeño orificio en una vieja puerta de madera, por lo que muchos visitantes ni siquiera se habían percatado de que se trataba de una

'Nascendo Morimur' tallado en marfil | Crédito: Wikipedia.Durante los siglos XVI y XVII se hizo habitual entre los artistas de toda Europa (y especialmente en Alemania y los Países Bajos) la representación en pinturas, grabados y esculturas de un tema tan singular como macabro: niños pequeños acompañados de calaveras.

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En buena parte de los casos, estos niños –con los rasgos y características de los populares ‘putti’– aparecían plácidamente dormidos, a menudo apoyados en los tétricos cráneos y acompañados de alguna cartela o inscripción con el lema latino ‘Nascendo Morimur’.

Aunque sin duda singular, el tema no es más que una variación de otras ‘Vanitas’ o ‘Mementos Mori’, es decir, recordatorios de la fragilidad de la vida y la inevitabilidad de la muerte, en esta ocasión haciendo hincapié en la idea de que la muerte nos acompaña desde el nacimiento, como indica ese lema latino de ‘Nascendo…’, que viene a significar, literalmente, “Naciendo morimos”.

En otras ocasiones –las menos–, estos

'Adoración de los Magos', de Botticelli | Crédito: Wikipedia.

En la década de 1470, un entonces joven y poco conocido Sandro Botticelli recibió el encargo de pintar una tabla con el tema de la ‘Adoración de los Magos’.

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La pintura –de tan solo 111 por 134 centímetros– le había sido encargada por Guasparre del Lama, un adinerado cambista de Florencia, con la intención de que decorara su capilla funeraria, ubicada en Santa María Novella.

La razón de que el encargante escogiera este tema para una capilla fúnebre residía en que era un devoto de los Magos de oriente, y en especial de Gaspar, pues era su santo patrón.

De hecho, Guasparre pertenecía a la llamada ‘Compagnia dei Magi’, una singular e importante cofradía florentina que cada año se encargaba de preparar el desfile que celebraba la fiesta de la Epifanía.

La obra del genial artista, sin embargo, también resulta singular por otros motivos. En primer lugar, la escena aparece encuadrada en lo que parecen las ruinas de

Abgar sosteniendo el mandylion | Crédito: Wikipedia.A lo largo de la Historia, los fieles han venerado obras de arte cuyo origen no se atribuye a artistas humanos sino a manos “celestiales”. Muchas de estas imágenes, denominadas ‘aquiropitas’ (del griego ‘acheiropoiéton’, “no hecha por mano del hombre”) constituyen aún hoy objetos de adoración religiosa que mueven a millones de personas.

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Las imágenes aquiropitas se hicieron especialmente populares en el arte bizantino (llegaron a jugar un papel importante en el origen de la crisis iconoclasta), y por lo general están acompañadas de tradiciones que les atribuyen milagros y otros portentos.

Una de las primeras menciones a estas obras “milagrosas” aparece en la ‘Historia Eclesiástica’ de Eusebio de Cesarea, un texto del siglo IV sobre los primeros tiempos del cristianismo. El libro recoge una curiosa tradición piadosa que tenía a un milagroso retrato de Cristo como elemento principal.

Según Eusebio, en el archivo de la ciudad de Edessa

'La balsa de la Medusa', de Théodore Géricault | Crédito: Wikipedia.

‘La balsa de la Medusa’ (1818-19) es sin duda alguna la pintura más famosa de Géricault, no sólo por su indudable calidad artística, sino también por representar a la perfección la eclosión del Romanticismo.

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Este gigantesco lienzo –mide casi 5 metros de altura por 7 largo–, se expone hoy en el museo del Louvre, pero desde su creación gozó de un notable éxito –y también generó una gran polémica, como veremos–, hasta el punto de que fue premiada con una medalla de oro en el Salón de París de 1819.

El joven pintor galo, que contaba entonces con 27 años, presentó su ambiciosa obra bajo un título diferente –‘Escena de un naufragio’– con la intención de burlar la censura, ya que el lienzo plasmaba un tema entonces de candente actualidad y que había puesto en el punto de mira a la restaurada monarquía borbónica, representada por Luis XVIII.

El terrible suceso –el naufragio de la fragata ‘Méduse’, de ahí el nombre actual de la pintura– había

Detalle de un retrato de juventud de Camille Claudel | Crédito: Wikipedia.

Durante siglos, las mujeres artistas no han tenido fácil destacar en un mundo que, al igual que en el resto de los ámbitos, ha estado dominado siempre por hombres.

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Sin importar su talento, muchas de estas mujeres dotadas para la pintura, la escultura u otras artes fueron relegadas a un segundo plano, a menudo eclipsadas por sus contemporáneos varones, hasta que la crítica y la historiografía moderna las fue rescatando, poco a poco, del olvido.

En algunos casos la obra de estas mujeres sí fue reconocida en su momento, aunque no ocurrió lo mismo con su forma de vida bohemia, libre e independiente, demasiado adelantada para su tiempo.

Eso es precisamente lo que le sucedió a la francesa Camille Claudel (1864-1943), una genial escultora que consiguió el éxito de la crítica, pero cuya vida personal estuvo marcada por la desesperación, la enfermedad y el desamor, así como por el rechazo de su familia y el fracaso de su relación