Detalle de 'Madame X', de John Singer Sargent | Crédito: Wikipedia.

Se llamaba Virginie Amélie Avegno Gautreau, pero ha pasado a la historia con el nombre, mucho más sugerente y misterioso, de ‘Madame X’. A pesar del apelativo, la joven era bien conocida por la sociedad parisina de finales del siglo XIX. Un detalle este que –junto a su belleza inusual–, llevó al pintor John Singer Sargent a querer retratarla. Ni uno ni otro podían imaginar es que aquella pintura iba a provocar un escándalo que cambiaría para siempre la carrera artística del pintor.

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Virginie Amélie era una hermosa joven de origen estadounidense (había nacido en Nueva Orleans, aunque residía en Francia desde los ocho años), y estaba casada con un adinerado banquero y hombre de negocios francés, Pierre Gautreau.

Tanto su singular belleza como los continuos rumores sobre múltiples infidelidades la habían convertido en toda una celebridad en los exclusivos ambientes de la alta sociedad parisina, por lo que cuando Sargent oyó hablar de ella, pensó que si

Detalle de 'Virgen con el niño', atribuida a Robert Campin | Crédito: Cortesía Universidad Concordia de Montreal.

Hace ahora 78 años, en 1935, el gobierno nazi prohibió a Max Stern, un joven marchante de arte judío de Düsseldorf, seguir ejerciendo el trabajo que desde generaciones venía realizando su familia. Obligado a cerrar el negocio, las 228 pinturas que formaban parte de su galería fueron subastadas dos años después en Colonia.

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Pero no fue lo único que le arrebataron al joven marchante. Su relación con el arte iba mucho más allá del simple negocio, pues Stern y su madre poseían una importante colección artística privada. Por desgracia, la presión de la temible Gestapo sobre Stern era cada vez más angustiante, y el joven se vio obligado a huir a Londres.

Tras dejar Alemania, la Gestapo se apropió de buena parte de la colección privada de Stern, y el resto de los cuadros tuvieron que ser malvendidos para reunir los 25.000 marcos que costaba conseguir un pasaporte para sacar a la madre del joven galerista del país.

Parte

Los célebres caballos de San Marcos –copias de los originales–, en Venecia | © Javier García Blanco.

Llevan tanto tiempo en la ciudad de los canales –ocho siglos, con excepción de un breve paréntesis de dieciocho años–, que da la impresión de que conocemos hasta sus secretos más íntimos. En realidad, sucede todo lo contrario. Los célebres caballos de la basílica de San Marcos constituyen, aún hoy, un notable acertijo para los investigadores.

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De hecho, ni siquiera son lo que aparentan. Pese a su aspecto y color tan característico, los cuatro caballos –originalmente debieron formar parte de una cuadriga triunfal– no fueron realizados en bronce, como parece a primera vista, sino que los análisis han revelado que están compuestos por cobre en casi un 97 por ciento.

Gracias a los estudios más recientes –completados durante la restauración que se realizó a comienzos de la década de los 80 del siglo pasado– ya no hay duda sobre su composición, pero no ocurre lo mismo con otras cuestiones. Y es que aunque pueda

Ruinas de la iglesia de San Nicolás | Crédito: Cortesía de Turismo de Soria.

Además del llamativo fresco representando el célebre asesinato de Thomas Becket, del que ya hablamos aquí hace algunos meses, las ruinas de la iglesia soriana de San Nicolás ocultaban otra sorpresa a los arqueólogos e historiadores que estudiaron el recinto en la década de los años 70 del siglo pasado.

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Durante las labores de rehabilitación y estudio que se llevaron a cabo en aquellos años, los especialistas sacaron a la luz un llamativo sillar decorado con un relieve compuesto por dos arcos y otras tantas rosetas tetralobuladas. Sin embargo, lo más interesante de la pieza se encuentra en una pequeña banda de apenas cuatro centímetros de altura, en la que aparece una inscripción latina que reza: “…CURATI EST SOL: ER: MCCLX…”

La frase está incompleta en sus extremos –se ha perdido parte de la primera palabra y el final de lo que a todas luces es una fecha en numerales romanos–, lo que la convierte en un

Vista general de los jardines de la Quinta Roja | © Javier García Blanco.

Antes de su muerte a finales de siglo XIX, el octavo marqués de la Quinta Roja, don Diego Ponte del Castillo, había mantenido acaloradas discusiones con el párroco de la hermosa localidad tinerfeña de La Orotava, cerca del Puerto de la Cruz, debido a la pertenencia del noble a la masonería, institución que nunca ha sido del agrado de la Iglesia ni de los regímenes totalitarios.

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Aquella discusión no habría tenido mayor importancia de no ser porque el marqués –político y miembro de varias logias masónicas, como la tinerfeña Taoro, de la que fue Venerable Maestro–, falleció a causa de una tuberculosis en 1880, y el sacerdote –José Acosta Borges– se negó a que fuera enterrado en el camposanto católico de la población, donde estaba el mausoleo paterno.

Ante la negativa del clérigo, y como respuesta a semejante agravio, la madre del marqués, doña Sebastiana del Castillo y Manrique de Lara, decidió –pese a su condición de devota católica–

'Slave labor', el polémico grafiti

¿Quién es el verdadero propietario de una obra de arte? La pregunta parece tener una respuesta clara cuando el autor de la obra sigue vivo y en ningún momento ha vendido su creación. Sin embargo, la cosa se complica cuando el artista en cuestión es un ‘grafitero’ que realiza sus obras de forma ilegal sobre el mobiliario urbano o en propiedades privadas.

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¿Quién debería poseer entonces los derechos sobre ese tipo de obras? ¿El artista urbano que las ha creado, o el propietario del inmueble sobre el que han sido plasmadas, casi siempre de forma ilegal? El dilema anterior es, precisamente, el que ha surgido a raíz de una polémica venta que iba a tener lugar el pasado 23 de febrero en Fine Art Auctions, una casa de subastas de Miami, y que fue cancelada en el último momento.

Con seguridad el caso no habría acaparado la atención de los medios de comunicación de todo el mundo de no ser porque el pequeño grafiti –un trozo de

Fachada principal de San Pedro del Vaticano | Crédito: Wikipedia.

El 18 de abril de 1506 era un día de gran importancia para el papa Julio II. Aquella jornada iban a dar comienzo las obras de la nueva basílica de San Pedro, cuyos muros amenazaban con derrumbarse tras más de doce siglos contemplando el devenir de la historia de Roma.

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La reconstrucción del que hoy es el templo más importante de toda la cristiandad no se realizaba solo para mayor gloria de Dios y de la Iglesia, sino también del propio Papa, pues el pontífice pretendía ubicar su propia tumba en el nuevo e imponente interior.

Por esa razón, no es de extrañar que Julio II estuviera extremadamente nervioso aquel día. Todo estaba planeado al milímetro, hasta el punto de que tanto el día como la hora en la que debía iniciarse la ceremonia de colocación de la primera piedra habían sido cuidadosamente calculados por los astrólogos personales del pontífice.

Al igual que muchos otros hombres poderosos del Renacimiento –nobles, reyes y

El retrato 'perdido' de Catalina (izquierda), junto al de su marido, el rey Enrique VIII | Crédito: National Portrait Gallery de Londres.

En 1533, Enrique VIII –el célebre y polémico monarca inglés de la dinastía Tudor– repudió a su entonces esposa, Catalina de Aragón, hija menor de los Reyes Católicos, obteniendo el divorcio gracias al obispo de Canterbury.

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El rey británico no actuaba pensando solo con la entrepierna –aunque también, pues para entonces ya había dejado encinta a Ana Bolena–, sino que le urgía asegurarse la descendencia masculina que Catalina había sido incapaz de darle en veinticuatro años de matrimonio.

Aquella separación acabó convirtiéndose en una de las más trascendentales de la Historia, pues no solo supuso la ruptura entre el monarca y Catalina, sino también con el Papa de Roma –entonces Clemente VII–, dando lugar al surgimiento de la Iglesia Anglicana.

Han pasado casi 500 años desde aquellos históricos sucesos y ahora, gracias a una conocida pinacoteca británica, Enrique y Catalina vuelven a estar juntos, aunque sea en forma de